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El impresionismo

Vamos a centrar el presente reportaje de MundoMúsica a dos figuras destacadas de la historia de la música. Concretamente en su etapa impresionista.

DEBUSSY
A finales del XIX y comienzos del XX, la música que más se destacó en Francia tuvo que ver con el Impresionismo, movimiento artístico que dio lugar a expresiones diversas en pintura, literatura y música. Las primeras figuras de este movimiento fueron Manet y Monet, en la pintura y Claude Debussy, el equivalente musical a ciertos pintores y poetas franceses contemporáneos suyos, con lo cuales Debussy mantuvo una gran relación.
Debussy estudió en el Conservatorio de París, que en 1884 le otorgó una beca para continuar en Roma. Entre 1880 y 1882, Debussy pasó los veranos como tutor de los hijos de Madame Von Meck (dama rusa protectora de Tchaikovsky) y tomó en seguida contacto con la música rusa, especialmente la de Borodin y la de Mussorgsky. En verano de 1888, Debussy se empapó de las obras de Wagner, especialmente “Parsifal”, “Los Maestros Cantores” y “Tristán”. Y hasta 1890, terminó su relación con los impresionistas, especialmente Mallarmé, que influyeron y formaron su estilo maduro.

Entre 1890 y 1910, Debussy compuso y produjo sus obras más significativas y conocidas hoy en día: “Preludio Orquestal A La Siesta De Un Fauno” (1894); “Las Mejores Canciones De Verlaine”; “Las Canciones De Baudelaire”; “Peleas Y Melisenda” (1902); “Iberia” (1908) y “El Rincón De Los Niños”, para piano en 1908.
El estilo de Debussy se formó gracias a nociones intelectuales y estéticas similares a las de los poetas simbolistas y a las de los pintores impresionistas. Al mismo tiempo, su música estaba profundamente enraizada en el pasado y en lo que le rodeaba. Entre los grandes músicos del siglo XIX, los que más le atraían eran Chopin, Fauré y Mussorgsky. De la música más antigua admiraba las obras de Rameau, Palestrina y Lassus y el canto gregoriano. El estilo de Debussy era nuevo y peculiar y su armonía contenía importantes implicaciones para el futuro. Los acordes de todo tipo los empleaba más como sonoridades que como acordes funcionales, en el antiguo sentido de definir la tonalidad. Solía ingeniárselas para dar coherencia a las progresiones de esas sonoridades construyendo acordes sucesivos en movimiento paralelo como el antiguo organum , acordes paralelos disonantes de distintos tipos. En esencia, Debussy utilizó una escala compuesta que incluía todas las posibilidades cromáticas y enarmónicas de los doce semitonos de la octava.

Estas creaciones fueron las manifestaciones de una revolución llevada a cabo por el propio Debussy en la armonía y en la tonalidad, revolución tan significativa que ejerció una influencia decisiva en el encauzamiento de la música del siglo XIX hacia los nuevos senderos del XX. En efecto, Debussy rechazó la antigua dominación de las escalas mayor y menor y logró difuminar la tonalidad, evitando los tipos de escalas. Por ese mismo motivo, Debussy recurrió a los antiguos métodos o a la escala de tonos completos que, al tener seis tonos iguales, no manifiesta tendencia alguna hacia una tonalidad. Aunque Debussy no abolió la tonalidad, la difuminó y sumergió en el interés de una nueva libertad y variedad de la sonoridad.

En la música de Debussy son muchos los elementos que se combinan para crear la impresión. La misma melodía no tiende hacia líneas escultóricas, sino hacia contornos vagos. Los intervalos de las melodías están extraídos de la misma armonía. A veces emplea las voces sin palabras para entonar sílabas neutrales.
En algunas obras, Debussy empleó formas tradicionales como la forma sonata y los recursos cíclicos en el cuarteto para cuerdas. Pero a medida que fue difuminando la tonalidad, se dedicó a la creación de estados de ánimo o de atmósferas sugeridas en textos.

Siempre que se habla del Impresionismo se producen confusiones acerca de la forma en general y acerca del papel que desempeñan forma y color en el arte y en la música. Debussy emplea menos recursos de coherencia que el propio Beethoven, pero esto no significa que la menor cantidad de recursos de Debussy sea menos eficaz que la mayor cantidad de recursos del divino sordo. En música, el color de la voz o de un instrumento no define ni configura el espacio musical en el sentido formal, ya que los factores determinantes son el ritmo, la melodía y la armonía.

RAVEL
Perteneciente al mismo ambiente parisino que Debussy, no cabe duda que tienen ciertos rasgos comunes como la armonía impresionista y el refinamiento francés. No obstante, la música de Ravel difiere un tanto de la de Debussy: “mi dirección es opuesta a la de Debussy”, escribió el propio Ravel. Y la verdad es que se diferenciaba en especial por sus melodías y formas, más definidas con Ravel y por un empleo mucho más tradicional de la tonalidad y la disonancia. En realidad, Ravel tenía un tanto de clasicista como de impresionista y sus melodías son mucho más claras como melodías que las de Debussy. Son tan genuinas y puras en sus formas como las de los clásicos, líricas y a menudo de carácter diatónico o modal, aunque a veces están sutilmente matizadas con armonías cromáticas.

En toda su música, Ravel da muestras de conocer a fondo su oficio, y en sus piezas para piano o para orquesta evidencia una sensibilidad muy especial para componer en un estilo personal y virtuoso.









...por Antonio Noblejas ...por Antonio Noblejas


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