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La música en el Renacimiento

En el mundo que transcurre a finales del siglo XV y a lo largo del XVI es donde los artistas empiezan a buscar su fuente de inspiración en el arte clásico.

Precisamente, este renacer de la cultura y el arte de la época grecolatina recibió el nombre de Renacimiento, que supuso un cambio tremendo para la mentalidad de la sociedad de la época, que situaba el hombre como eje principal dentro del Universo.

Son tiempos en que conceptos como belleza y sabiduría también pasan a primer plano, hecho que constata un amor repentino por el arte, impulsado por la figura del humanista, que ayudó al desarrollo del arte que a nosotros nos ocupa, el de la música.

Con todo, el movimiento del Renacimiento no supuso un cambio profundo dentro del arte sonoro y más que romper con la época anterior u obsesionarse por las formas musicales de la antigüedad clásica, la música, a diferencia de las otras artes, siguió su propio curso. Esto hace que la música del Renacimiento no se caracterice precisamente por su afán de innovar, pero los músicos renacentistas, en su despertar humanista, se esforzaron por conocer mejor como se estructuraba la música antigua de la realidad grecolatina.

Así, durante el siglo XV y XVI se impone la música polifónica frente a la monódica que había reinado en el periodo gótico anterior. La polifonía provocó un predominio de los instrumentos de cuerda y de teclado, en definitiva, de los que mejor se acoplaban a la nueva forma polifónica. Parte de esta nueva música del Renacimiento se cultiva, al igual que en la Baja Edad Media, dentro de los sectores eclesiásticos y palaciegos. Los compositores se reagrupan en cortes musicales y pasan a depender de la nobleza o del papado. Además, el ambiente del Renacimiento exige la presencia musical, tanto en los actos oficiales como en las fiestas de carácter más popular, sin olvidarse de las ceremonias religiosas.

La música renacentista transmite vibraciones de belleza pero, sobre todo, sentimentalismo humano. Por eso, las preferencias del músico de los siglos XV y XVI pasarán por el género de la canción que hablará de amor, de la vida o incluso describirá situaciones satíricas o burlescas. En este sentido, la canción profana melódica tendrá un éxito profundo que llegará a su máximo esplendor en forma de madrigal. Estas canciones renacentistas son puros versos que se convierten en la base del gran ritmo que transmiten.

Casi todos los compositores de la época se sintieron atraídos por estos poemas cantados o madrigales que significaron el auge de la música profana que, a su vez, se convirtió en una de las aportaciones de los músicos renacentistas. Al parecer, este género, de carácter melódico y expresivo pensado para cuatro o cinco voces solistas, encontró en la Italia renacentista su escenario por excelencia. Es el caso de Adrián Williaert que, aunque de origen flamenco, escogió la ciudad de Venecia para fundar toda una escuela madrigalista. De todas formas, la originalidad de este género provocó que traspasara las fronteras italianas para difundirse por el continente europeo. Pero, sin duda alguna, uno de los grandes maestros del género madrigalista fue el compositor, Orlando di Lasso. Con un trabajo inagotable que supera el millar de composiciones, se le considera uno de los máximos representantes de la música flamenca del siglo XVI.

Este carácter más melódico y rítmico de la música renacentista requiere, cada vez más, un acompañamiento instrumental destacable que lleva a convertir la época del renacimiento en una de las más ricas en instrumentos musicales. En suma, instrumentos de cuerda, viento y teclado tienen cabida dentro de la música renacentista. Además, todos ellos son dignos de interpretar un tipo nuevo de música que exige algo más que simples voces. Así, laúdes, vihuelas, flautas, oboes, cornetas, trompetas, tambores, cajas, clavicordios, clavicémbalos y órganos forman gran parte del conglomerado de instrumentos del Renacimiento.

Aparte, el hombre renacentista se esmera tanto en la construcción de instrumentos musicales que terminan por convertirse en auténticas obras de arte delicadamente ornamentadas, en particular, los de cuerda.

Durante estos dos siglos que ocupó el Renacimiento dominaron más formas aparte del madrigal. La canción polifónica, el motete, la misa y el villancico son algunas de ellas. Precisamente, el villancico, de aportación estrictamente española, tuvo mucho que decir en esta época humanista. Pero, los villancicos no fueron el único legado que España dejó a la música renacentista.

La vihuela también encontró un gran apoyo en este país mediterráneo, que alcanzó la cima musical renacentista con la música vocal polifónica bajo la batuta del sevillano, Cristóbal Morales. Por si fuera poco, quienes fueron los mejores organistas del siglo XVI, Antonio Cabezón y Francisco Salinas, también tienen sus raíces en la España renacentista.

La música de carácter religioso, que también tuvo sus seguidores durante el Renacimiento, vivió una serie de contradicciones. Por un lado, la reforma, llevada a cabo por la nueva iglesia protestante naciente, no tardó a dejar sus huellas en el arte sonoro. Así, la música adquiere una gran importancia en los actos religiosos en formato de música coral, una nueva forma que se caracterizaba por la sencillez de sus letras, pudiendo así, ser cantadas por el pueblo.

Por su parte, la Iglesia Católica no tardó en dar una respuesta a este nuevo planteamiento musical. Fue el Concilio de Trento quien decidió regular, una vez por todas, las formas de la música religiosa. En pocas palabras, la Iglesia quería establecer unas normas a seguir, antes que las ceremonias religiosas católicas se contaminaran de las nuevas costumbres de las misas protestantes y fuera demasiado tarde reconducirlas. Aún así, la escuela polifónica católica tuvo sus momentos de gloria, gracias a la labor del italiano Giovanni Pierluigi da Palestrina, uno de los compositores más influyentes de la época. Aunque cultivó la mayoría de los géneros renacentistas, el reconocimiento le llegó con su obra religiosa, constituida básicamente de motetes y misas. No menos importante fue la música religiosa que aportó el español, Tomás de Victoria, una figura clave a la hora de describir el espíritu de la contrarreforma llevada a cabo por la Iglesia Católica.

Durante el Renacimiento, la música empieza a imprimirse, hecho que permite una difusión más rápida, a la vez que garantiza su conservación a lo largo de la historia. Gracias a ello, toda la música renacentista, que comprende el periodo entre los años 1450 y 1600, formada básicamente por madrigales, villancicos, canciones polifónicas, misas y motetes, puede ser estudiada con detenimiento por los amantes de este arte y, si se desea, disfrutada por todos nosotros.









...por Mercedes Caño ...por Mercedes Caño


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5 comentarios en La música en el Renacimiento

  1. Me pareció muy interesante el reportaje, y resulta de gran ayuda para tareas de investigación para jóvenes como yo, que llevamos una materia muy interesante como historia del arte.

  2. Muy interesante, es de agradecer documentos como este para realizar trabajos, en internet no hay mucha información sobre la música en el Renacimiento.

  3. Gracias por la información.

    Mónica

  4. Genial el artículo, me ha servido para un trabajo de colegio y la profesora me ha puesto una buena nota. Gracias.

  5. Fabuloso, genial, me ayudó un montón. Gracias.

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