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La música italiana

Tras la caída del Imperio Romano, en Europa reina la incultura general e Italia no es una excepción. Ello, sin embargo, no será un impedimento para la música sino más bien al contrario.

Y es que sólo sabían escribir en los monasterios y ello facilita que se transmita la información a través de la música.

De este modo, existían una serie de cantores, recitadores y músicos llamados juglares, que iban de pueblo en pueblo recitando versos y cantándolos. Algunas de estas tradiciones orales se han conservado por escrito. Se trata de los cantares de gesta. En el Trecento italiano la música tiene un papel relevante. Aunque en toda Europa el siglo XIV se caracteriza por la inestabilidad a todos los niveles (político, social y económico) en Italia surgió un movimiento literario muy importante denominado Dolce Stil Nuovo. Se trata de una nueva expresión lírica liderada por Boccaccio, Dante y Petrarca.

Pero en el plano musical, los italianos del siglo XIV tampoco se quedan cortos, ya que desarrollan también un dulce estilo nuevo de composición. Éste, más tarde, será conocido como Ars Nova italiano. El término proviene de la música que se hacía en Francia en ese mismo periodo. Pero, al contrario que en la música francesa, en la italiana la polifonía profana surge repentinamente en el Trecento o siglo XIV. Por este motivo algunos expertos opinan que una música que ha florecido independientemente a la francesa no se la debería denominar igual. Y es que esta música italiana se diferencia claramente del Ars Nova francés. No se apoyó en ello, sino en las teorías musicales de Marcheto de Padova. En el siglo XIV el panorama musical se concentra en el norte de Italia. Los repertorios se conservan en los populares Codex Rossi. Señalaremos autores importantes como Jacopo da Bologna o Giovanni da Firenze.

Los madrigales son la primera manifestación del Ars Nova en Italia. La polifanía profana italiana busca satisfacer el refinado gusto de los aristócratas y de una burguesía creciente. Así cuida especialmente el texto poético, la línea melódica, la vocalización y al contrario que la música francesa, se desprende de complicaciones rítmicas.

El madrigal del siglo XVI tiene algunas diferencias que el citado anteriormente. Sus autores serán Monteverdi, Gesualdo y Marenzio, entre otros. Pero ambos son una forma poética- musical bastante libre, normalmente de temática amorosa o pastoril. Se dice que el término proviene de “mandriale” que significa rebaño. Por otro lado, también en el siglo XVI, se empleó por primera vez el término “concerto” en Italia. Pero eso sí, no se hizo habitual hasta el año 1600, en los inicios del barroco. Al principio las palabras “concerto” y “concertato” se referían a una mezcla de colores tonales instrumentales, vocales o mixtos. Se podían aplicar a distintas piezas, tanto sagradas como profanas, que empleaban un grupo mixto de instrumentos, cantantes o ambos.

La palabra sonata aparecía cada vez más en los títulos de las composiciones instrumentales de los siglos XVI y XVII. Tal calificación se refería al hecho de ser una pieza sonora instrumental. De este modo, tales composiciones musicales se diferenciaban de las que simplemente eran vocales. En aquel entonces tal término no implicaba una forma o estilo de composición en concreto. Simplemente era música sin voz. Pero la forma y el estilo de la sonata se empezaron a desarrollar en Italia entre finales del siglo XVI y comienzos del XVII, al cultivarse por primera vez la música instrumental a gran escala. La forma tenía diferentes secciones delineadas en tiempos y texturas contrastantes.

A mediados del siglo XVIII el término sonata empezó a utilizarse sólo cuando había un instrumento de teclado solista o algún otro instrumento sólo, acompañado por un teclado. La sonata fue importante y decisiva en ese periodo. Y es que influenció toda la música: las sinfonías, los conciertos, los cuartetos de cuerda, etc.

Aunque el teatro de ópera nace en Venecia en 1637, los compositores italianos más espléndidos serán los del siglo XIX. De este modo, los nombres más importantes son los de Rossini, Donizetti, Bellini, Puccini y Verdi. Éstos supieron plasmar a la perfección, tanto el pensamiento como la sensibilidad de toda una época. La ópera era el medio más adecuado para manifestar, por ejemplo, la desilusión que sufrieron los italianos después de la Unidad. Ello fue reflejado de forma magistral en “Don Carlos” de Verdi. La ópera te permite expresar todo. Unas veces es sátira y otras muchas exageraciones. Así, si por ejemplo un personaje es asesinado a veces hasta sigue cantando. Además, la ópera lírica tiene una riqueza tal que hasta ha sido definida como un género literario. Por otro lado, es en la ópera donde el papel de la mujer, tan rebajado en la época, se eleva y cobra importancia. Así, en este contexto musical el sexo femenino es esencial y brilla por sí mismo en la ópera. Una de estas mujeres, espléndidas y dramáticas, que serán recordadas para siempre es Lucia de Lamermoor, del gran maestro Donizetti.

La música clásica italiana sigue vigente hoy en día. Así un monstruo de esta música es el tenor Luciano Pavarotti, que triunfó en el siglo XX a través de sus magníficos cantos. Y todavía lo sigue haciendo, aunque muy pronto ya no en público, ya que según noticias recientes el cantante de ópera se retirará de los escenarios dentro de poco tiempo.

Pero los siglos XX/XXI también hacen referencia a una época llena de música moderna. Así, los artistas italianos de más éxito en estos momentos son: Tiziano Ferro, Zucchero, Neck, Eros Ramazzotti y Laura Pausini, entre otros. Ramazzotti y Pausini nos deleitan con suaves y dulces melodías italianas. Laura Pausini es la reina indiscutible de la balada italiana en la actualidad, mientras que de los mencionados es probablemente Eros Ramazzotti del que se puede decir que tiene la carrera artística más consolidada. Y es que el genial cantante italiano ha cosechado éxitos durante muchos años. Además tanto él como los otros cantantes mencionados gozan de un gran éxito en nuestro país, ya que el público español sabe apreciar la calidad y la autenticidad de su música. El más rompedor y con una carrera más corta, por haber irrumpido recientemente en los escenarios, es Ferro. Un artista con gran proyección.









...por Carme Bosch ...por Carme Bosch


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1 comentario en La música italiana

  1. Muy poco conocía acerca de la historia de la música italiana, de ella sólo pude apreciar al inigualable Luciano Pavarotti.

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